在奔波全球的一年间，我们眼中的“年度最佳作品”是？

在2023年即将结束之际，Artnet新闻团队回顾了自一月份以来我们所看到的令人印象深刻的艺术。

繁忙的艺术世界日历上总是充满无穷无尽的画廊展览、博物馆/美术馆展览、双年展和艺术博览会。但当回顾我们在过去一年中看到的无数绘画、雕塑、表演和其他作品时，某些作品总会留在我们的记忆中，有的是因为其特别的工艺，也有的是因为纯粹的艺术本身。

以下是我们的作者和编辑评选的年度最佳作品。

Delcy Morelos，《El abrazo》，2023

在Dia Chelsea画廊的展览

“Delcy Morelos: El Abrazo”中展出

2023.10.05-2024.07

Delcy Morelos，《El abrazo》（细节图），2023，Dia Chelsea画廊，纽约，摄影：Don Stahl，图片：©Delcy Morelos

这是今年我觉得排头名的艺术展，而且它还没结束。这是一件2023年的新作，它能立刻给人留下很深的印象，值得你花时间去看。作品填满了Dia Chelsea的一个大展厅，泥土和干草堆叠起了一个巨大且悬浮的几何体。

当然，看到一位艺术家能做出如此深思熟虑的大规模作品很令人激动，不过这不仅是作品规模的问题。《El abrazo》及其配套作品《Cielo terrenal》释放出一种自信且冷静的态度，让你感觉自己仿佛置身于一座崭新且神圣的建筑中。

—Ben Davis

Beatriz Cortez，《Ilopango, the Volcano that Left》，2023

在实验媒体和表演艺术中心的展览

“Shifting Center”中展出

2023.11.03-11.18

Beatriz Cortez，《Ilopango, the Volcano that Left》，2023，图片：Courtesy of the artist and Commonwealth and Council，摄影：Michael Valiquette

我今年最喜欢的艺术体验是“Shifting Center”，它于今年11月在纽约特洛伊伦斯勒理工学院的实验媒体和表演艺术中心（EMPAC）展出。但如果用整个展览来回答这个问题，感觉像是在作弊，我将选择其中的一件艺术作品，因为它最好地体现了该展览的精髓——那就是Beatriz Cortez的作品《Ilopango，the Volcano that Left》（2023）。

这是一座钢铁雕塑，艺术家将其击鼓一样将其敲打成型，从风暴王艺术中心（Storm King Art Center）沿着哈德逊河延伸向特洛伊，然后安装在EMPAC中。这件作品在“劫持”空间的方式上，让人感觉有点像是殖民主义，但艺术家的灵感其实来自于其祖国萨尔瓦多6世纪的一次火山爆发，她心中有一个更富有诗意的散居框架。

“我被粒子遍布地球的这种想法迷住了，”她说，“土著人民，甚至是现在从中美洲迁移到世界其他地区的当代土著人民，都是在踏着自己土地上的粒子。”

—Taylor Dafoe

Ayana V. Jackson，《Catch a Wave》

在史密森尼国家非洲艺术博物馆的展览

“From the Deep: In the Wake of Drexciya

with Ayana V. Jackson”中展出

2023.04.29-2024.04.28

“From the Deep: In the Wake of Drexciya with Ayana V. Jackson”展览现场，图片：Photo by Brad Simps, courtesy of the Smithsonian National Museum of African Art, Washington, D.C.

通常，最难忘的艺术经历是那些没有计划的经历。今年，我第一次参观史密森尼国家非洲艺术博物馆时，我遇到了展览“From the Deep: In the Wake of Drexciya with Ayana V. Jackson”。

这是摄影师Ayana V. Jackson的第一场专题展览，也是史密森尼艺术家研究奖金（Smithsonian Artist Research Fellowship）的一部分。这位艺术家与来自非洲和加勒比地区的设计师合作，为想象中的Drexciya王国的居民创造了令人惊叹的服装。

这个在水下的王国最初是由在20世纪90年代活跃于底特律的二人组Drexciya所设想出来的。它的概念起源于奴隶船，以及在痛苦的旅程中被抛下的非洲孕妇。但Jackson的作品呈现了另一段历史——在这段历史中，这些妇女的孩子是由非洲的水中精灵所接生的，她们得以幸存下来，并形成了一个神奇的女权主义社会。

展览中展出了穿着特别服装的人体模型，以及艺术家为每种造型拍摄的照片。还有一些视频片段，在视频中，艺术家在特立尼达、安哥拉和南非的水面下游了100多英尺。

展览中的核心作品《Catch a Wave》用手工染色的靛蓝织物和渔网做成了一件引人注目的礼服，上面还装饰有牡蛎和贻贝壳。人体模型似乎漂浮在海里的泡沫上，灯光昏暗的展厅空间暗示着它淹没在水波之下。整个经历完全是传达性的，将一段悲惨的历史变成了一个美丽而充满力量的愿景，融合了艺术、时尚和神话。

—Sarah Cascone

塞西莉·布朗，《龙虾、牡蛎、樱桃和珍珠》，2020

在纽约大都会艺术博物馆的展览

“死亡与少女”中展出

2023.04.04-12.03

塞西莉·布朗，《龙虾、牡蛎、樱桃和珍珠》，2020，图片：Courtesy of the artist

我去大都会艺术博物馆看了两次塞西莉·布朗（Cecily Brown）的大展《死亡与少女》（Death and the Maid）。其实我经常多次去博物馆看同一个展览，但这两次参观大都会的经历让我对布朗的画作印象深刻。我第一次访问是独自一人，所以不小心倒着看了这个展览，也算是因祸得福——因为我立刻就看到了《龙虾、牡蛎、樱桃和珍珠》（Lobsters, Oysters, Cherries and Pearls, 2020）这件作品，一开始就给了我一种仿佛动物看到丰盛食物的满足感，然后又出了一拳，像一只黑猫潜伏在桌子下面，很有威胁性——这提醒我，丰盛很容易与过量混淆。

第二次参观时，我更多体验到了布朗的绘画技术。我带了一个从外地来的朋友来看展览，他在学习绘画，但不是职业艺术家。他向我指出的“画中彩蛋”和精湛的笔触让我对这场展览有了新的观感，只有和一个真正热爱绘画的人一起看，我才能感受到这些东西。也因为这场展览，我的朋友在离开纽约后重新振作起来，也开始继续练习。所以你会认为“绘画已死”吗？可以再想想！

—Annie Armstrong

“说出他们的名字”

在沃波尔公园的艺术项目

“说出他们的名字”中展出

2023.09

Ania Tomaszewska Nelson创作的23岁医学生Aylar Haghi的肖像，是“说出他们的名字”项目中的数十幅肖像之一，图片由Vivienne Chow拍摄

九月的一个阳光明媚的下午，我在逛西伦敦的沃波尔公园（Walpole Park）时，看到皮兹格庄园（Pitzhanger Manor and Gallery）外的一棵树上挂着几十张明信片和玫瑰花。这些画着肖像的明信片是生活在伦敦的伊朗艺术家Anahita Rezvani Rad发起的一个名为“说出他们的名字”（Say Their Names）的艺术项目的一部分，旨在纪念关于Mahsa Amini（这个伊朗女孩因为没有使用头巾遮盖好头发而被伊朗警方殴打致死，年仅22岁）的抗议活动中被杀害的数百名伊朗人。

由于政治压力，他们的名字不能在当地被提起，他们的死亡也不能得到纪念。我细细看了其中的每一个。这些肖像画——绘画、素描或插图——风格多种多样，这些不同的媒介共同构建起一种纪念形式，同时亦为探索当今肖像画的美学、表现和意义创造了机会。

当我重新想象这些人所进行的斗争时，我强忍着泪水。其实一场真正强大而感人的艺术展不一定需要精致的“白盒子”和数百万美元的花销。正如知名作家米兰·昆德拉所写，“人类与权力的斗争，就是记忆与遗忘的斗争”。我们的记忆是我们最大的武器，艺术在这里帮助我们记住不可忘记的东西。 

—Vivienne Chow

Kim Beom，《黄色尖叫》

在首尔三星Leeum美术馆的展览

“如何成为岩石”中展出

2023.07.27-12.03

Kim Beom，《黄色尖叫》，2012，单通道视频，有声，31分6秒

今年对我来说最突出的展览是首尔三星Leeum美术馆的“如何成为岩石”（How to become a rock），这是韩国当代艺术家Kim Beom的个人展览。这个综合调查展收录了70多件创作于上世纪90年代初至2010年代中期的作品，包括一些以前从未在韩国展出的作品。尽管展墙上的说明文字很少，但我通过观展后的研究了解到了这场展览引人入胜的本质。

展览标题“如何成为岩石”源自艺术家1997年的著作《转变的艺术》（The Art of Transformin），反映了他艺术方法的一个关键方面。Kim Beom的作品深深植根于“万物有灵论”，他相信生命和灵魂存在于万物之中。例如，艺术家的早期作品《Pregnant Hammer》就融入了对韩语单词“nata”的各种解释，意思是“（用锤子去）创造”，或者“分娩”。对观者来说，一个特别难忘的时刻是观看他的绘画作品《黄色尖叫》，在这件作品中，艺术家指导一位演员完成一幅黄色调的抽象画，在绘画过程中，他时不时对着画面发出阵阵尖叫——这个行为象征的是艺术家对难以捉摸的想法和意义的深入探索，也隐喻性地表达了艺术家眼中当代艺术之内存在的细微差别。回到当今的艺术世界，谁在看到了这件作品后，又能不发出会心一笑呢？

—Cathy Fan

埃德·拉斯查，《Bliss Bucket》，2014

在纽约现代艺术博物馆的展览

“Ed Ruscha:/Now Then”中展出

埃德·拉斯查，《Bliss Bucket》，2014，图片：皮诺收藏馆

我之所以选择埃德·拉斯查（Ed Ruscha）的《Bliss Bucket》是有几个原因的，这件作品当前正在MoMA举办的艺术家回顾展“Now Then”上展出（至2024年1月13日）：首先，这是一件出乎人意料的作品——我是拉斯查的代表作《OOF》以及他著名的“单词”绘画的超级粉丝。当前这幅画是从皮诺收藏馆借来的，可能是任何人所能看到的最美丽的废弃床垫，呈现出迷人的蓝灰色调。

不过，我对此并没有体会到绝望或腐朽，而是对它的美丽和荒凉感很感兴趣，也对在这个压抑场景上方呈现的轻松、悬浮着的音符符号感到好奇。我本以为我觉得这幅作品是如此平静和有趣是错误的，直到我看了墙上的标签，上面有一段音频里说到：“是什么让这幅画充满希望？”

                                                                                                                                                                            —Eileen Kinsella

Fahrelnissa Zeid，《我的地狱》，1951

在伊斯坦布尔现代艺术博物馆中展出

Fahrelnissa Zeid，《我的地狱》，1951，图片：伊斯坦布尔现代艺术博物馆

今年9月，我第一次前往伊斯坦布尔参加伊斯坦布尔当代艺术博览会，在那次旅行中，我有幸参观了伊斯坦布尔现代艺术博物馆（Istanbul Modern），这是一座非凡的博物馆，里面充满了许多土耳其艺术家的现代主义创作，呈现了20世纪艺术发展的另一个更全球化的视角。

博物馆的亮点之一是重磅作品《我的地狱》（My Hell, 1951），这是一个如万花筒般的几何抽象作品，由已故土耳其艺术家Fahrelnissa Zeid创作。

Zeid出生于奥斯曼帝国一个享有特权的艺术家家庭，其经历既富有魅力又有悲剧色彩。作为那个时代的女性，她有着非凡的自由，是伊斯坦布尔最早进入艺术学校的人之一。在富有传奇色彩的一生中，她曾在柏林和巴黎生活过一段时间，并结过几次婚。但暴力事件似乎总是围绕着她——她深爱的哥哥在她小时候被判弑父；而她本人与伊拉克王子扎伊德·本·侯赛因的第二次婚姻使她成为皇室成员，但在1958年哈希姆君主制被推翻（王子的全家也都被谋杀）后，这对夫妇又要努力避免暗杀。看到博物馆墙面上的《我的地狱》，我停下了脚步——这幅画通过细腻的形式展现了一个燃烧的世界，也许是诅咒或战争的火焰，让人想起了伊斯兰和拜占庭的广泛影响。

                                                                                                                                                                   —Katie White

文章来源： artnet资讯